Rogue One – Gareth Edwards

Dans une galaxie lointaine (très lointaine...), Jyn est une jeune femme douée pour la bagarre, récupérée par les gentils de rébellion pour aider à remonter les traces de son père, scientifique brillant travaillant pour l'Empire à la mise au point de l'Etoile de la mort. Elle va faire la connaissance du capitaine Cassian Endor, officier ambigu au service des rebelles, de son droïde caustique, d'un quasi jedi et de quelques autres casse-cous prêts à tout.

On a donc là un film de guerre (de résistance, pour être précis) avec séquences mélodramatiques, pseudo-mysticisme et plein de défauts : je ne parle pas de la crédibilité générale de l'univers de Star Wars et de ses conventions, celui-là on le prend ou on le laisse, mais particulièrement des personnages qui, au delà des deux ou trois acteurs principaux, ne sont que des silhouettes (je trouve le bonhomme-à-la-bonbonne-sur-le-dos particulièrement significatif – et insignifiant, tant le personnage est sous-développé. Il n'enlève pas son lance flammes quand il dort ? Ou bien faut-il le déclipser ?). Mais ce n'est pas un film comme un autre, car il s'insère dans une méta-oeuvre singulière qu'est l'univers de Star Wars, qui fait tellement partie de la culture de notre temps que des gamins de cinq ans dans les cours de récréation dès l'âge de cinq ans en connaissent les éléments sans avoir jamais vu le moindre film.

Au-delà des défauts, Marguerite (8 ans) et moi avons eu du plaisir à retrouver ces éléments caractéristiques (silhouettes de personnages et de vaisseaux, décors insolites et grandioses, visions de planètes et de lunes, droïdes, boucliers spatiaux, toute une très belle imagerie SF oldies, une sorte de féerie du futur) agencés de façon originale et nouvelle. On a accroché à cette héroïne teigneuse, à cette histoire de résistance à l'oppression par des rebelles plus ambigus qu'à l'accoutumée, à ces visions de destructions dantesques causées par la terrible arme des rebelles. Notre cœur a frémi quand la grande silhouette noire est apparue au son de la marche impériale, ou quand deux droïdes connus bavardaient au pied des X-Wing. On a pleuré à la fin.

Parmi les points qui m'ont plus particulièrement intéressé : les échos avec la seconde guerre mondiale et les actes de résistance, ou bien avec des situations de terrorisme (l'attaque du tank à Jedha dans une sorte de ville orientale est très évocatrice) ; le personnage de Cassian, qui porte une ambivalence intéressante, dommage qu'elle ne soit pas tenue tout du long. Et surtout l'étonnante construction de la fin du film, conçue pour enchaîner sur le début de l'épisode IV, A New Hope, filmé 40 ans plus tôt. La manière dont le récit fait apparaître des éléments scénaristiques et plastiques (silhouettes de soldats, du vaisseau, jusqu'à la silhouette en blanc qu'on aperçoit d'abord de dos...) pour brancher un film de 2016 sur un film de 1977 est tout à fait fascinante. Ce genre de construction artistique étonnante n'était possible que dans le contexte singulier de cet univers singulier. Rien que pour ça, le film, déjà très agréable, vaut le coup d'être regardé et ce, dès les premières images, quand une navette impériale glisse au-dessus d'un paysage verdoyant...

 

M.O.I. – à l'Echandole

Je savais que des pièces de théâtre de science-fiction existaient, mais je n’en avais jamais vues. M.O.I., monté par la compagnie Freckles, est une pièce de Sophie Pasquet Racine, auteure dramatique et actrice. 

 

Dans une cave, un abri anti-atomique (?), débarque une femme un peu perdue, qui tombe sur un homme intimidant et menaçant. On est un dans un futur post-cataclysmique, beaucoup sont morts, les eaux montent, le M.O.I a été mis en place pour réguler la vie des survivants.

La pièce prend la forme d’un interrogatoire, celui de la femme qui ne peut se résoudre à repartir, par l’homme qui veut connaître son secret. 

M.O.I. est une pièce à mystères, dont certaines clefs seront livrées. Il y sera question de doubles, d’identité, de sociétés oppressantes, de menaces, d’images, d’écritures. Elle n’est jamais théorique,  jamais allégorique, toujours incarnée. Ce n’est pas de la S.F. pour profs de français « qui veut dire que… » et « qui représente… ». Si on trouvera dans les motifs poétiques de la pièce des échos de situations contemporaines (oppressions policières, migrants noyés, relation aux choses, amours perdues…), les personnages ne représentent avant tout qu’eux-mêmes. 

 

 

 

M.O.I. ressort clairement de la science-fiction, dans le sens où c’est un récit qui ne pourrait pas fonctionner sans son élément science-fictif. De la S.F., elle reprend les principes de déstabilisation, de quête du sens, d’interrogation. Où sommes-nous ? Que s’est-il passé ? Qui sont ces gens ? Nous ne saurons pas tout, mais nous en saurons assez pour les comprendre, et peut-être pour les aimer. Le décalage et le mystère reposent avant tout sur la langue, l’expression des personnages, cette étrange infusion de vocabulaire venu de la danse (du tango) pour dire le destin des hommes. Pourquoi dit-on « danser » pour dire « mourir »? Pourquoi le cataclysme s’appelle-t-il « le Grand Amour »? Pourquoi la femme ne dit-elle jamais « je »?  

 

Les acteurs (Sophie Pasquet Racine et Pierric Tenthorey, tous les deux remarquables), sont soutenus par une mise en scène de plus en plus inventive comme la pièce avance, jouant sur les lumières et les ombres, les transparences et les opacités. Quelques projections très habiles, une séquence complètement folle utilisant du film d’animation, une inclusion de plus en plus forte de la musique construisent l’univers de cette histoire, jusqu’à une scène finale qui m’a bouleversé.

 

J’ai beaucoup aimé. On se place dans la suite d’une science-fiction politique, poétique et créative, dans la lignée d’Antoine Volodine, ou des oeuvres de Léo Henry et Jacques Mucchielli. Je n’aurais pas été surpris d’entendre parler de Yirminadingrad.

La pièce peut être vue à la date de publication de ce billet à Yverdon, puis en mai à Lausanne au théâtre 2.21. Allez-y !

Photos (c) Carole Parodi / Freckles

 

 

Poison violent - Dorothy Sayers

Harriet Vane est auteure de romans policiers. Elle a fait le tour des pharmacies pour se procurer toutes sortes de poisons mortels. En fait, elle prétend que c'était de la documentation pour un prochain roman... Mais quand le compagnon de miss Vane, qu'elle venait de quitter, meurt empoisonné, il ne faut pas longtemps à la justice pour mettre la main sur la coupable. 

Le roman commence aux assises, Lord Peter assiste au procès et il se trouve convaincu que miss Vane est innocente. D'autant plus convaincu qu'il est tombé amoureux d'elle.

Poison violent est encore une autre excellente enquête de Lord Peter. Du milieu littéraire à ce lui des artistes, des avoués compassés aux domestiques, on se promène beaucoup dans la société londonienne de 1930. Pendant toute la première moitié du roman, Lord Peter est nul et ne trouve rien, tant son amour naissant l'aveugle. Puis les choses se débloquent et...

On retrouvera miss Climpson (pour mon plus grand plaisir). Bunter sera un chimiste de choc. Il y aura des moments spirites... étonnants, et une très jolie intrigue.

Délicieux comme un thé à l'arsenic.

Les zoocrates – Thierry Besançon

Dans un musée d'histoire naturelle abandonné, quelque chose bouge au milieu des animaux empaillés. Des silhouettes blanches, prenant des attributs animaux (crinière de lion, cornes de gazelle, crête de la hyène...) qui viennent nous jouer, ou plutôt nous chanter cette histoire: comment le lion, trouvant usant l'exercice du pouvoir, décide de convoquer les animaux de la savane pour qu'ils élisent leur nouveau souverain, en bons zoocrates.

Ce sera sans compter sur les manigances de la hyène et celles du marabout qui exerçait le pouvoir en coulisse...

Les zoocrates est un opéra pour enfants, genre carrément bizarre quand on y pense. L'opéra (je ne parle pas de la comédie musicale) est une des formes les plus lourdes et compliquées qui soit : décors comme au théâtre, plus musique orchestrale, plus chant lyrique (sans micros évidemment), plus costumes et jeu d'acteur. 

Le spectacle que nous avons vu est tout à fait convainquant : léger, rigolo, enlevé, mené par Andrei Feher, un chef d'orchestre très en forme (que nous avons vu faire des grimaces pour soutenir les acteurs - oui, nous avions la chance d'être installés juste au-dessus de la fosse !). Le texte est amusant, les acteurs/chanteurs très bons avec une mention spéciale pour la hyène. Seule la mise en scène un peu plan-plan était un peu en dessous du reste, mais c'est faire la fine bouche. Et derrière un traitement très fantaisiste et enfantin, l'auditeur attentif pouvait trouver un sous-texte politique ou sexuel (ne fuyez pas, parents sages d'enfants sages, c'est bien caché, "comprend qui peut" !) carrément drôle.

Nous avons eu de plus la chance d'assister au musée de zoologie de Lausanne, une heure avant le spectacle, à une petite présentation sur la conservation animale et sur la construction du spectacle en collaboration avec le musée. Tout ça animé par des passionnés. Une excellente initiative ! Bienvenue en zoocratie !

Photos (c) M. Vanappelghem

il reste encore deux dates, les 3 et 5 mai.

Le vagabond des étoiles – Jack London

Quelles vies avons-nous vécues avant de connaître celle-ci ? Pourquoi sommes-nous incapables de nous en souvenir ? Existerait-il un moyen de forcer la mémoire à nous revenir ?

Darrell Standing a été condamné à la prison à vie. Enfermé dans les cachots de San Quentin, torturé par des gardiens sadiques et par un directeur incompétent. Standing est condamné à souffrir les horreurs de la camisole de force, qui compresse le corps, écrase les organes internes et crée une souffrance que rien ne vient soulager. Jusqu'à ce que, communiquant avec lui en cognant sur les murs des cachots de haute sécurité, un certain Ed Morrell lui glisse le secret de la mort temporaire, qui permet de s'échapper de son corps et de retrouver, en conscience, le souvenir de vies antérieures...

Le vagabond des étoiles (the Star rover) est un étrange roman, mais c'est avant tout une vigoureuse dénonciation, très politique, du système carcéral et des mauvais traitements qu'on y subit. Coups, tortures, soumission à l'arbitraire d'une direction hors de tout contrôle... London a basé son texte sur le témoignage d'un ex-prisonnier condamné au cachot, Ed Morrell. Il y déploie son art du conteur, dans un mélange de style journalistique et pamphlétaire. Et au-delà des tortures et des coups, il emmène le lecteur dans les vies intérieures (à lui de décider à quel point il s'agit d'une mémoire, à quel point d'une imagination) d'Ed Morrell/Darrell Standing, dans des récits qui sont autant de nouvelles mêlés à la trame générale du livre, qui nous emmèneront sur les mers ou bien dans la peau d'un enfant membre d'une troupe malheureuse de pionniers dans les années 1860...

Le vagabond est un double roman "à thèse", sur la condition carcérale et sur la métempsycose, ce qui n'aide pas à faire de la bonne littérature. A moins que l'auteur ne s'appelle Jack London, car parvient à partir d'une matière aussi difficile à construire un livre plein de souffle, de force et de colère, qui j'ai commencé un soir avec un peu de curiosité et que je n'ai pu lâcher avant de l'avoir fini. Torture des corps, luttes sociales, puissance de l'imaginaire et de la fiction...

Et le lecteur des littératures de genre ne manquera pas de rapprocher le thème du Vagabond et les récits de James Allison de Robert Howard. La mémoire des vies passées nous permet de nous souvenir d'aventures sanglantes et furieuses, remontant parfois avant les début de l'histoire humaine telle que nous la connaissons...

(Et il faut que je continue à lire du Jack London. Quel écrivain !)

Topkapi – Jules Dassin

Soient les années 60, couleurs acidulées, ambiance de fête foraine criarde. Soit un voyage à Istanbul, la dague du sultan ornée d'émeraudes magnifiques  gardée dans le palais/musée de Topkapi. Soit enfin une bande de voleurs très improbable. Les bijoux étincellent, les automates grincent, la police secrète turque (lunettes noires, fines moustaches) est sur le dents.

Topkapi est un film de casse, avec équipe bizarre (très foraine), rebondissements tordus et humour décalé. L'ambiance de cette histoire est unique, avec des acteurs bizarres (Melina Mercouri, Peter Ustinov...), pas du tout formatés - la variété des corps, des trognes, des faces dans ce film est stupéfiante. Le film est plastiquement étonnant, lumières et photos sont très réussies, on a beaucoup aimé l'ambiance particulière des lieux, entre la Grèce et Istanbul (dans mon souvenir, la Turquie y est bien mieux filmée que dans bons baisers de Russie, par exemple).

(oui, c'est Joe Dassin. Non, il ne chante pas.)

Le film se tient entre le bizarre, l'ironique et le wow. Et le casse tient toutes ses promesses.

(merci encore à David C !)

Network – Sydney Lumet

De temps en temps, on tombe sur un film  ancien vraiment génial dont on n'avait jamais entendu parler auparavant. Network en fait partie (merci David C. pour le conseil !).

On est donc dans les années 70, dans les locaux exécutifs d'une chaîne de télé aux audiences en berne, et le présentateur historique de la chaîne (brushing de cheveux blancs, voix posée) vient de se faire virer, et il le prend mal, au point de parler de se suicider sur le plateau. Il ne le fera pas, mais la nouvelle est tellement surprenante qu'elle attire les téléspectateurs et hop, l'audience remonte ! De quoi donner des idées aux hommes nouveaux et très dépourvus de scrupules qui veulent que la bête crache plus d'argent, d'autant que parmi ces hommes se trouve une femme, Diana Christensen (joué par Faye Dunaway, actrice que j'adore) qui est vraiment très, très... vous verrez en voyant le film.

Network est une satire violente qui ne nous paraît pas si satirique, vue depuis notre époque, juste sinistrement prophétique. C'est drôle, flippant, grinçant, très très bien écrit, très bien joué, du cinéma américain de grande classe, avec plein de scènes de bureaux, d'immeubles de verre, de réunions d'actionnaires, mais aussi des terroristes communistes, un prophète de l'apocalypse, du mysticisme corporate (ça ne vous rappelle rien?) et une étrange forme de démon aux yeux vides, entièrement façonné par la télévision.

I'm mad as Hell ! I can't stand it anymore !